Life is Getting Strange

Beyond Punk - 2 - The Wolfgang Press

2008-06-15T03:20:00.000-07:00

Lá pelo longínquo ano de 1987 , ouvi uma estranha coletânea de bandas estranhas de um selo inglês estranho chamada "Lonely is an Eyesore". O selo se chamava 4AD e tinha uma fama de lançar bandas de um intrigante gênero denominado "dream pop".
Fui verificar qual era a desse tal pop de sonho e , bem, me deparei com uma porção de bandas legais , sem dúvida, mas aquilo para mim estava mais para pop celestial do que particularmente pop onírico.
Sonhos costumam ser muito mais estranhos do que apenas vozes etéreas acompanhados de um instrumental idem. Pelo menos os meus, são.
Estranho mesmo em "Lonely is an Eyesore" era uma banda chamada The Wolfgang Press . "Cut the Tree" era o nome da faixa dos caras e alternava, na mesma música, os climões góticos de um Bauhaus com vocais angustiados de Nick Cave. Aquilo sim parecia sonho, e dos bons.
Felizmente , minha experiência com o Wolfgang Press não ficou só em "Cut the Tree". No ano seguinte, os caras lançaram um lp chamado "Bird Wood Cage" que foi , miraculosamente, lançado no Brasil. Li a crítica de Alex Antunes na revista Bizz exaltando o disco e saí voando para comprar .
Puta merda, que discão! Não tinha a minha querida "Cut the Tree" mas ,em compensação, tinha "Kansas" e sua insana guitarrinha wah-wah, "Bottom Drawer" e seu sample repetitivo de algo que se parece com uma sirene(!!) e tudo culminava com o esporro industrial de "Shut that Door" .
"Bird Wood Cage" foi co-produzido por ninguém menos que Mark Ellis, mais conhecido pelo pseudônimo de Flood e que já trabalhou com gente como PJ Harvey, Nine Inch Nails, Jesus and Mary Chain e um tal de U2.
Sua especialidade em fundir eletrônica com instrumentos orgânicos funciona que é uma beleza em "Bird Wood Cage"e é o que dá a esse disco um caráter único e atemporal que é raro de acontecer mesmo nas melhores bandas.

Bird Wood Cage e sua capa "Duchampiana"

Bird Wood Cage - Full album!

The Wolfgang Press - King of Soul

The Wolfgang Press - Raintime

The Wolfgang Press - Bottom Drawer

The Wolfgang Press - Kansas

The Wolfgang Press - Swing Like A Baby

The Wolfgang Press - See My Wife

The Wolfgang Press - The Holey Man

The Wolfgang Press - Hang on Me (for papa)

The Wolfgang Press - Shut That Door

Kansas

Cut The Tree

The Mist

2008-05-22T04:31:00.000-07:00

De onde menos se espera...daí é que não sai nada mesmo. Essa máxima , infelizmente, vinha fazendo o maior sentido para mim quando o assunto era cinema associado à filmes badalados (hypados, traduzindo para português pós-modernoso e internético). Mas, eis que finalmente surge das profundezas um filmaço que , graças a Deus, acaba com a minha pose de cinéfilo-cínico-e-chato-desiludido-com-o-cinema-de-hoje e injeta vigor num gênero que há muito tempo vinha sendo vilipendiado de todas as formas possíveis e imagináveis nas últimas décadas: o cinema fantástico .
"The Mist" poderia ser um filme de John Carpenter, mas não é. É de Frank Darabont, diretor dos ultra-mega-superestimados "Um Sonho de Liberdade" e "À Espera de um Milagre" e, como esses dois, também é baseado num livro de Stephen King. A diferença é que "The Mist" não tem nada de edificante. Não faz parte do time de histórias "boazinhas" de King. Está mais para "O Iluminado" do que para "Conta Comigo", portanto.
A trama envolve aqueles personagens e ambiência que já nos acostumamos a ver em pelo menos uns 855 filmes americanos do gênero: Cidadezinha nos cafundós dos EUA e seus pacatos cidadãos
são atacados por estranhas criaturas que aparecem depois que o lugarejo é envolto por um misterioso nevoeiro... Sim, parece "The Fog" (1980), do supracitado John Carpenter, mas "The Mist" tem seu trunfo em concentrar suas ações em praticamente um só lugar: um supermercado. O que torna tudo mais claustrofóbico, obviamente. Mas essa claustrofobia não nos é induzida goela abaixo, gratuitamente, ela tem nuances, silêncios e um ritmo cadenciado.
Até as imperfeições em "The Mist" acabam funcionando à favor do filme. O cinema americano chegou a um tal nível de excelência técnica que os filmes ficaram assépticos, não há espaço para erro ou qualquer coisa que pareça humana por detrás da câmera. Tudo perfeito demais. No filme de Darabont, não. Alguns personagens são implausíveis, os efeitos são meia-boca e clichês abundam. É um autêntico filme B com cara de filme B e o melhor que tudo isso funciona sem precisar de artifícios paródicos-pós-modernosos-tarantinescos que, convenhamos, já encheram o saco e viraram desculpa para picaretas sem imaginação. "The Mist" é o que o "bunda-mole disfarçado de fodão" "Grindhouse" queria ser quando crescesse, mas mr. Tarantino e mr. Rodriguez parecem estar tão ou mais preocupados em se mostrarem como bíblias de referências de cultura pop do que criarem um filme com voz própria.
Sorry guys, esse "umbiguismo-cool" já deu o que tinha que dar.Frank Darabont deu um pau em vocês. Caramba, nunca pensei que fosse escrever isso...
Ah, e tem o final.
Juro que quando li as opiniões dos usuários do IMDB sobre o filme e seu final- surpresa pensei: "Ah não, lá vem mais um filme com final pegadinha-do-Mallandro, rááááá!!!" Nada disso. A última sequência de "The Mist" é, sim, surpreendente , mas também é provocadora , corajosa
e nada gratuita. "The Mist" tem um final que qualquer filme de M.Night ShyaMALAn queria ter quando crescesse e parasse de se render à paroquialismos americanos em alegorias desconjuntadas como "A Dama na Água".
Frank Darabont deu um pau em você tambem, mr Shyamalan.
Não revelarei o final , claro. Só digo que há uma pequena dica sobre ele numa frase escrita no pôster : "Fear changes everything". O medo muda tudo.
Ainda bem que a "névoa" de medo que tem obscurecido muita gente boa por aí não tenha afetado Frank Darabont, pois ele fez um filme desconcertantemente atual.
Palmas para ele.

Trailer:

Talk Talk

2008-05-07T01:40:00.000-07:00

Este post podia fazer parte de mais uma série deste blog. Poderia intitulá-lo "Mutações Improváveis do Pop- Parte 1" , ou coisa do gênero. Mas seria injusto com o Talk Talk. Poderia perigosamente cair no lugar-comum de reduzir essa formidável banda ao surrado clichê da banda que "perdeu a inocência" e resolveu "complicar" seu som. Não que isso não tenha acontecido. Mas, no caso da banda de Mark Hollis, isso se deu de maneira, pra dizer o mínimo, muito mais radical.
Garanto que existe muita gente por aí que, ao ouvir falar no nome Talk Talk, logo pensa nas palavras tecnopop, new romantics e naquela música...como é mesmo o nome? Ah lembrei, "It's My Life!".
Mas isso é só a metade da história.E a mais triste, diga-se. O melhor ainda estaria por vir.
Depois do sucesso do luxuoso, e já clássico, "The Colour of Spring"(1986), Mark Hollis e o recém-incorporado membro Tim Friese-Green forjariam dois clássicos absolutos , dois "corpos estranhos" sem prescedentes até então na história da música pop: "Spirit of Eden"(1988) e Laughing Stock"(1991).
Aí está o "verdadeiro" Talk Talk. Uma mistura única de música ambiental, jazz, dissonâncias vanguardistas, rock 'n' roll e música clássica.
Esses discos soam como uma espécie de "universo paralelo", uma música misteriosa, insondável, que demanda a sua atenção à medida em que suas nuances e texturas vão se insinuando lentamente. Num mundo onde tudo é rapido e disperso demais, "Spirit of Eden" e "Laughing Stock" são essenciais.
Não se fazem mais discos assim. Aproveitem.

Spirit of Eden (inteiro):

Talk Talk - The Rainbow

Talk Talk - Eden

Talk Talk - Desire

Talk Talk - Inheritance

Talk Talk - I Believe in You

Talk Talk - Wealth

Laughing Stock (inteiro):

Talk Talk - Myrrhman

Talk Talk - Ascencion Day

Talk Talk - Taphead

Talk Talk - After the Flood

Talk Talk - New Grass

Talk Talk - Runeii

Beyond Punk - 1- The Only Ones

2008-04-24T09:29:00.000-07:00

Sex Pistols, Buzzcocks, New York Dolls, The Stooges, MC5, Gang OF Four... Todas essas bandas clássicas ressurgiram das cinzas e voltaram à ativa. Qual será a causa desse estranho fenômeno dos nossos tempos? Estagnação do cenário roqueiro? Coroas querendo faturar uns trocados? Simples nostalgia? Todas as anteriores?
Sinceramente, não sei.
Só sei que pode parecer estranho para quem é mais jovem, mas antigamente( anos 60, 70 e 80) quando uma banda querida de nós se separava , era pra valer, e nós, ingênuamente, acreditávamos. Pode também parecer saudosismo, romantismo ou outro "ismo"qualquer, mas eu realmente gostava ( e ainda gosto) dessa sensação de que existe um ponto final de um trabalho e é hora de partir pra outra.
Bandas de rock que não acabam sempre me passam a incômoda impressão de preguiça e acomodação(salvo raríssimas exceções), parecem que viram "funcionários públicos ": penduram o paletó na cadeira e saem para fazem mais um showzinho sem-vergonha em que repetirão aquele refrão que já cantaram oitocentas mil vezes.
Mas existe um lado bom nisso tudo. Salvo alguns retornos realmente picaretas (Sex Pistols, The Police, The Doors), é muito bom ver a garotada de hoje descobrindo Gang of Four, New York Dolls, Big Star, Television e se dando conta da importância e da influência fundamental que esses velhotes tiveram (e têm) até hoje. Isso fica melhor ainda quando reaparecem bandas que pareciam realmente esquecidas para sempre, como os The Only Ones.
Essa banda londrina ganhou certa notoriedade em meados dos anos setenta após lançarem dois singles matadores: "Lovers of Today" e "Another Girl, Another Planet". As guitarras afiadíssimas de Peter Perrett e John Perry lembram muito a dobradinha Tom Verlaine/Richard Lloyd, do Television. Aliás , a afinidade da banda com a "turma" de Nova York não pára por aí.
Perrett e o baterista Mike Kellie participaram do primeiro disco solo de Johnny Thunders, fundador dos New York Dolls e , posteriormente, dos Heartbreakers.
O primeiro disco do The Only Ones é lançado em 1978 e apontava para temas até então pouco explorados pelas bandas punk como introspecção ("No peace for the Wicked) , paranóia ("The Beast") e assim como os Buzzcocks, não tinham medo de falar de amor e o faziam sem hipocrisia, vide o hit "Another Girl, Another Planet".
"Even Serpents Shine" é o segundo , e o melhor na minha opinião, disco da banda. Mais maduro, e conta com a estupenda "From Here to Eternity", além das lindas "Intrumental" e " Miles from Nowhere". Uma porrada.
A banda lançou ainda um último lp chamado "Baby's Got a Gun"enquanto Perret já enfrentava um mal que acabaria com a banda e o deixaria fora de atividade por praticamente uma década: o vício em heroína.
Mas Perrett deu a volta por cima e há rumores de que um novo disco do The Only Ones está a caminho.
Another millenium , another record.

Another Girl, Another Planet (live)

The Only Ones - Lovers of Today

The Only Ones - The Beast

The Only Ones - From here to Eternity

The Only Ones - Why Don't You Kill Yourself?

The Only Ones - Curtains for You

The Only Ones - Instrumental

The Only Ones - Peter and the Pets

Filmes Subestimados Parte 3 - Session 9, de Brad Anderson (1996)

2008-04-19T06:06:00.000-07:00

Esse aí seria adequado numa postagem mais sobre filmes inexistentes do que propriamente subestimados. Session 9 é um filme virtualmente desconhecido no Brasil, não passsou nos cinemas e tampouco foi lançado em DVD ou VHS. Eu mesmo só fui saber de sua existência depois de ter assistido ao envolvente thriller psicológico "O Operário"( The Machinist, 2003), do mesmo diretor Brad Anderson. Foi fuxicando a filmografia de Anderson no IMDB que encontrei essa espécie de rascunho pré-O Operário chamado Session 9, um filme mais irregular mas, ao mesmo tempo, mais assustador do que seu sucessor de 2003 .

A trama gira em torno de uma equipe contratada para eliminar asbestos (mineral tóxico muito usado em construções antigas) em um enorme manicômio desativado nos anos oitenta chamado Danvers State Hospital.

A locação em si já é suficientemente assustadora , mas no caso de Session 9 ela tem um suporte sólido num elenco enxuto e numa trama intrigante e rica em ambigüidades diabólicas (literalmente).

A partir do momento em que o chefe da equipe Gordon(o excelente Peter Mullan) e seu auxiliar Phil ( o canastrão David Caruso) aceitam fazer o trabalho de limpar o gigantesco hospital em duas semanas, começa uma espiral de intrigas, desconfiança e paranóia que acaba envolvendo não só Gordon e Phil , mas também os outros três funcionários contratados para o serviço. Dentre eles está Mike (Stephen Gevedon), um estudante de direito frustrado que , acidentalmente, derruba uma caixa cheia de tapes antigos onde estão gravadas sessões de terapia de uma antiga paciente chamada Mary Hobbes.

Mike, é claro, resolve ouvir as fitas e descobre que Mary sofria de D.I.D (dissociative identity disorder). Sua personalidade se dividia em três alter egos: Billy, Princess e Simon, sendo que esse último, o mais diabólico, só se manifesta na última sessão, a nona (Session 9).

Aos poucos vamos nos dando conta de que a triste história de Mary tem um estranho paralelo com a de Gordon. Ambas estão fundadas em traumas causados por acidentes domésticos banais, mas de conseqüências aterradoras. Ambos também reprimiram essas memórias traumáticas e, no caso de Mary, ela se personifica na voz de um de seus alter egos, o tal de Simon, e, no caso de Gordon, esse começa a ouvir vozes a partir do momento em que entra no hospital e "por coincidência" é a MESMA voz de Simon.

Aí está a ambigüidade de Session 9. Seria Simon uma mera representação simbólica do mal que "mora" em todos nós e que é liberado por algum acontecimento traumático que nos faz perder o controle ou um demônio real que habita o Danvers State Hospital e fica quietinho à espreita esperando algum indivíduo "possuível" aparecer?

Fico com a primeira opção, a mente humana é muito mais assustadora que o tinhoso.

Trailer:

Filmes Subestimados Parte 2 - O Príncipe, de Ugo Giorgetti (2002)

2008-04-02T01:34:00.000-07:00

"O Príncipe" é um filme, no mínimo, incomum na safra de filmes brasileiros produzidos na primeira década do segundo milênio. Não é a toa que tenha sido solenemente ignorado quando da sua passagem pelos circuitos comerciais. Aliás, como quase todos filmes de seu realizador, Ugo Giorgetti (o único que chamou mais a atenção foi o divertido "Boleiros", de 1998).

Trata-se de um filme inconvenientemente lúcido, assim como um de seus principais personagens, o professor universitário Mário, brilhantemente interpretado por Ricardo Blat.

Mario é internado num hospital psiquiátrico depois de causar distúrbios "constrangedores e incompatíveis com o nível da instituição", de acordo com o diretor e o corpo docente da universidade em que ele leciona.

Esse acontecimento acaba forçando a volta ao Brasil de seu irmão Gustavo (Eduardo Tornaghi), que vive em Paris há mais de vinte anos sem sequer ter voltado uma vez ao solo pátrio. Típico intelectual brasileiro exilado na Europa, Gustavo é agora obrigado a se confrontar com a realidade do país ao mesmo tempo que revê a família, os amigos e um antigo amor que ficou pelo caminho: Maria Regina, vivida por Bruna Lombardi.

Giorgetti usa o itinerário emocional de Gustavo para nos mostrar uma realidade que , na verdade, já é bastante conhecida por nós. Porém, o olhar "estrangeiro" do personagem de Tornaghi possibilita ao espectador uma nova perspectiva acerca dessa realidade. E é aí que Giorgetti acerta em cheio.

O diretor em nenhum momento espetaculariza essa tal "Realidade Brasileira". Sempre que ela surge, sob o olhar atônito de Gustavo, é de maneira corriqueira, tal qual nós nos acostumamos a ver quase que diariamente (mendigos pelas ruas, pequenos roubos, o caos urbano, etc...) e que acabamos por racionalizar e "esquecer". A perplexidade de Gustavo contrasta perfeitamente com a apatia e o cinismo em que estamos mergulhados.

É claro que nem todos estão cínicos e apáticos. Giorgetti hábilmente se desvia das armadilhas do maniqueísmo em forma de personagens como o judeu Aron (Elias Andreato) ,um dos antigos amigos de Gustavo que resolveu deixar as utopias de lado para trabalhar num abrigo de sem- tetos. Aron acredita que existe um "Brasil secreto", "subterrâneo" e que este, paradoxalmente, "está em toda a parte". Outro personagem interessante é o de Hilda ( Márcia Bernardes) , esposa de Mário e que tira fotos de "presuntos" que aparecem de madrugada e os vende para jornais e revistas sensacionalistas. Hilda e Gustavo vão a um museu onde suas fotos estão em exposição para , pressupostamente , denunciar a violência da capital paulista.

Chegando lá, a fotógrafa dá um verdadeiro escândalo ao ver que uma de suas fotos de cadáveres ("a melhor", segundo ela) está sendo prejudicada por uma luminária que pisca , atrapalhando a "compreensão" de quem as vê.

Mais uma vez a realidade é banalizada , dessa vez em forma de uma pseudo "denúncia" , mercantilizada e descontextualizada. Alguém se lembrou de Sebastião Salgado?

"O Príncipe" também não se utiliza de artifícios fáceis e já habitualmente reconhecidos do cinema brasileiro.

Aqui não há lugar para os catárticos "capitães Nascimento" e "Zé Pequenos" .

Na primeira vez em que Gustavo visita Mário na clínica psiquiátrica, este o pergunta: "Já te falaram da violência da cidade?"

"Já", responde Gustavo.

"Pois pior que a violência é a vulgaridade e a cafajestice das pessoas", diz Mário.

Giorgetti joga no colo do espectador uma responsabilidade que, no fundo, sabemos nos pertencer, porém é mais cômodo não ver e , ademais, sempre toca um celular antes. Sempre "estamos atrasados" e nunca "temos tempo", ocupados que estamos com nossas "vidinhas" cotidianas .

Filmografia de Ugo Giorgetti:

Jogo Duro 1985

Festa 1988

Sábado 1995

Boleiros 1998

O Príncipe 2002

Boleiros 2 2005

A já famosa cena do "juiz vendido" , tirada de Boleiros:

Revolução Industrial Parte 6 - Nurse with Wound

2008-03-20T14:35:00.000-07:00

"Indulgente". Sempre fui atraído por esse adjetivo , devo confessar. Sempre costumo esbarrar nele em textos em inglês , só que os britânicos e americanos costumam botar um "self" na frente da palavra. Fica melhor ainda, mais pomposo: "self-indulgent". Com o tempo fui percebendo , a partir de leituras em publicações musicais gringas (começando com o NME e Melody Maker britânicos e Rolling Stone americana nos anos oitenta até desembocar na Mojo e Uncut nos dias de hoje) que a tal "self-indulgence" (traduzindo seria algo como "pouco disciplinado") é uma espécie de tábua-de-salvação da maioria dos críticos daquelas bandas do hemisfério norte. Mais nos EUA , justiça seja feita. Na Inglaterra eles são mais tolerantes (indulgentes, rá!).
O pensamento americano parece ser tão cartesiano, padronizador que sua obsessão por classificar absolutamente tudo apressadamente acaba gerando verdadeiras aberrações. E tudo em nome de uma suposta "objetividade". É estranho? É hermético? Nada faz sentido? No problem. Tasca um "self-indulgent" na frase e tudo estará resolvido. O "produto"agora tem rótulo.
Para mim, esse adjetivo tem o efeito contrário. Se fosse abandonar qualquer coisa (seja filme, livro ou música) acusada de auto-indulgência teria simplesmente perdido o melhor da história. Nunca teria ouvido a música produzida pelo sujeito com cara de chapeleiro maluco de Alice no Pais das Maravilhas aí de cima: Steven Stapleton e sua banda-de-um-homem-só Nurse With Wound.
Há trinta anos e sem maiores alardes ,Stapleton vem criando um dos trabalhos mais interessantes de que se tem notícia na música contemporânea. Já gravou mais de trinta discos , muitos deles colaborativos (com Stereolab, Faust , Jim o' Rourke do Tortoise, entre outros) e , para quem quiser entrar no mundo do NWW, é melhor se preparar para uma viagem sem volta principalmente, se for ouvir uma "coisa" chamada "Salt Marie Celeste". Você agradecerá pela "auto-indulgência"de Steven Stapleton para sempre.
Discografia Selecionada:
Insect and Individual Silenced 1981
Homotopy to mary 1982
Soliloquy to Lilith 1988
Salt Marie Celeste 2003

I've Plummed This Whole Neighborhood
Vídeo que parece ter saído direto de "Eraserhead", de David Lynch
Na verdade , Stapleton sampleou mesmo uma fala do filme:
"I 've locked myself out of my apartment..."
"I 've locked myself out of my apartment..."

Hell/I am the Poison

Revolução Industrial Parte 5 - The Residents

2008-03-12T16:13:00.000-07:00

Esses cabeça-de-olho aí de cima respondem pelo nome de The Residents. "Lá vem mais uma banda obscura...", diriam alguns.
Sim, eles são obscuros.
Mas há uma diferença entre ser obscuro devido a circunstâncias infelizes, como contratos mal feitos , brigas entre os integrantes , problemas com drogas , entres os inúmeros clichês do mundo roqueiro e ser uma banda obscura como os Residents são. Eles são assim simplesmente por que querem e estão na estrada há mais de quatro décadas sem ninguém saber sequer quem eles são.
É mole?
Toda vez que os olhudos têm que falar com os meios de comunicação , o fazem via uma espécie de porta-voz chamado The Cryptic Corporation.
A carreira dos Residents começa no início dos anos setenta , quando resolvem mandar para a Warner (então gravadora do Captain Beefheart, influência direta no som dos caras) uma demo tape apenas com a inscrição "The Warner Bros. Tape". A fita é rejeitada e volta endereçada "aos residentes" , pois não havia mais nenhuma informação sobre quem tinha feito aquilo. A banda , a partir daí, adotou o nome The Residents e fundou uma gravadora própria : a Ralph Records . "Meet the Residents" é o primeiro lp da banda lançado , quer dizer , guardado. Acontece que eles resolveram adotar a filosofia de um tal de N. Senada que tinha criado uma suposta "teoria da obscuridade", que dizia que um artista só pode mostrar seu trabalho quando este está livre de qualquer pressão externa ou mercadológica e já estiver esquecido do que fez (!!!!). Reza a lenda de que essa conversa mole foi inventada pelos próprios Residents , já que ninguém nunca viu esse tal de N. Senada em lugar nenhum.
Em 1976 sai a obra-prima da banda:
"The Third Reich 'n' Roll" se resume a duas faixas enormes, com cerca de dezessete minutos cada e , em cada uma delas, várias covers de clássicos do rock (Hey Jude, Light My Fire, entre outros) são sobrepostos sem nenhuma organização aparente até, eventualmente, se "colidirem" uns com os outros. O resultado é anárquico e brilhante. Melodias infantilóides e minimalistas também viraram uma marca registrada da banda, assim como as máscaras de olho com que eles sempre se apresentam ao vivo.
Mas "The Third Reich.."é apenas o começo da história. Há ainda os fundamentais "The Commercial Album", com suas mais de cinqüenta faixas e "Eskimo".
Há ainda mais de trinta (!!) álbuns para quem quiser , se isso for possível, entender esse enigma chamado The Residents.
Discografia Selecionada:

Meet The Residents 1974
The Third Reich'n'Roll 1976
Not Available 1978
Eskimo 1979
The Commercial Album 1980

"One Minute Movies", tirado de "Commercial Album"

"Hello Skinny", tirado da coletânea "Hell!!"

Third Reich'n'Roll

Revolução Industrial Parte 4- SPK

2008-03-06T01:58:00.000-08:00

Seria cômico se não fosse trágico .No final dos anos sessenta , surgiu na Alemanha um movimento de esquerda radical chamado "Sozialistisches Patienten Kollektiv", que consistia na rebelião dos pacientes de hospitais psiquiátricos contra a medicina e também contra a verdadeira e única causadora de suas enfermidades: o capitalismo ocidental que, segundo eles, era o verdadeiro "fabricante" de loucos. Entre uma e outra terapia de grupo , na qual discutiam marxismo , dialética , educação, entre outros assuntos, um membro com déficit de atenção se descuida momentâneamente e manda a sessão de terapia pelos ares. Ele estava encarregado de fabricar explosivos que seriam usados numa manifestação do movimento. Estava na cara que os SPK não durariam muito.
Mas eis que dois funcionários de um hospital psiquiátrico em Sydney, na Austrália, decidem não apenas formar uma banda inspirada no manifesto dos pacientes alemães, como colocam partes inteiras das palavras de ordem usadas por eles em suas próprias err... músicas. A ideologia da banda é também semelhante a dos SPK: terrorismo (sônico) levado às últimas conseqüências (só que sem explosivos). Em 1981 Graeme Revell e Neil Hill lançam o primeiro lp intitulado "Information Overload Unit". Sobre esse disco só digo o seguinte: o fato de só o ter escutado agora me envergonha muito. Mas mais envergonhado fiquei depois de escutar o segundo lp dos australianos: "Leischenschrei" ("Grito do Cadáver", em alemão). Ao ouvir o disco pensei comigo mesmo : "onde estava eu nos últimos vinte anos que ainda não tinha ouvido essa jóia?""Elementar , meu caro Claudio...", respondi a mim mesmo, "...você estava no Brasil!"
Mas , traumas terceiro-mundistas à parte , é preciso dizer: "Leischenschrei" é uma obra de arte cada vez mais rara de se ouvir nesses dias. E é também, apesar de transcender gêneros como quarquer obra maior, um puta disco de rock, daqueles que se ouve inteirinho , com o volume no talo e um sorriso no rosto.
Ah , esqueci-me de dizer o nome da banda , pô!
Sozialistisches Patienten Kollektiv, SPK para os íntimos.

Assista abaixo ao vídeo de "In Flagrante Delicto", do quarto álbum do SPK, "Zamia Lehmanni: Songs of Byzantine Flowers". Esse disco marcou uma radical mudança no som da banda.Sai o barulho industrial-concretista dos primeiros trabalhos e entra uma sonoridade mais climática, soturna, com nítidas influências medievais e até étnicas. "In Flagrante Delicto" também faz parte da trilha sonora do filme australiano "Dead Calm"("Terror à Bordo" é o título em português) , com Sam Neil e uma Nicole Kidman lindíssima e pré-Hollywood-Tom-Cruise-botox-nos-lábios.

Discografia Selecionada:
Information Overload Unit 1981
Lenchenschrei 1982
Auto da Fé (isso mesmo , em português) , coletânea ,1983
Zamia Lehmanni: Songs of Byzantine Flowers 1986

In Flagrante Delicto:

Revolução Industrial Parte 3 - Godflesh

2008-02-28T04:10:00.000-08:00

Conterrâneos de ninguém menos do que Black Sabbath, o Godflesh foi formado em 1988 na cidade de Birmingham, Inglaterra. Justin K. Broadrick (guitarrista egresso então da zoeira supersônica do Napalm Death) e C. G. Green (baixo) eram um improvável "power duo" no universo do heavy metal.
Mas, peraí, quem disse que eles eram heavy metal? Cadê o terceiro membro? Eles não têm baterista? Isso tá muito estranho...
Acontece que o tal terceiro membro nada mais é do que uma bateria eletrônica mixada com um peso até então inédito no fechado mundinho dos headbangers de outrora. Sem contar nos efeitos sampleados, sequencers e outras bruxarias de estúdio incorporadas aos sons "humanos" de guitarra e baixo. Pode-se dizer, então, que o Godflesh foi o primeiro, junto aos yankees do Ministry, a juntar o peso do metal com os recursos eletrônicos típicos do som industrial. Mas , no caso da banda de Broadrick e Green, existe uma linhagem de influências muito evidente, eles são descendentes diretos dos new wavers do Killing Joke e , principalmente, dos supremos no wavers novaiorquinos dos Swans, a banda mais pesada, barulhenta e suja do mundo(mais detalhes sobre eles em futuros posts) . Com tais credenciais, não daria outra: o "Godflesh Sound" é o sonho molhado de todo fã de "noise rock" que se preze. Guitarras altíssimas, baixo distorcido e assustador, vocais monstro alternando com sussurros ameaçadores e uma percussão eletrônica opressiva e "desumanizada". Tem até alguns solinhos de guitarra também que... ôpa! Tô brincando, tô brincando...

Discografia:

Godflesh 1988
Streetcleaner 1989 (esse é foda!!!)
Slavestate 1991
Pure 1992
Selfless1994
Songs of love and Hate 1996
Us and Them 1999
Hymns 2001

Vídeo de "Mothra" (1992)

Vídeo de "Christbait Rising", tirado do monumental "Streetcleaner", de 1989.

Godflesh - Pulp

Godflesh - Dream Long dead

Godflesh - Predominance

Godflesh - Don't Bring Me Flowers

Revolução Industrial Parte 2 - Skinny Puppy

2008-02-20T21:58:00.000-08:00

O que te faz comprar um cd chamado "Vivisect VI"?Qual o apelo que há em uma capa escura na qual mal dá pra se ler o título e o nome da banda e , quando deciframos o que se trata, essa banda tem o nome de Skinny Puppy (filhotinho magrinho) ? Até hoje não sei responder direito, talvez tenha sido seduzido pelo título da primeira faixa :"Dogshit". Acho que foi isso mesmo. Pensei: "ninguém começa um disco com uma faixa chamada assim impunemente". E a banda , ainda por cima, era canadense, o que deixava tudo mais estranho ainda. Mas aí lembrei de David Cronenberg... E levei o cd, um dos primeiros que adquiri. O ano era mil-novecentos-e-Collor-presidente. The dark age. Como eu era inocente. Mas minha inocência rendeu bons frutos porque, logo de cara fui transportado, sem escalas, para um universo assustador e fascinante ao mesmo tempo. Quando o vocalista Nivek Ogre começou a vociferar aquelas litanias estilo "fluxo-de-consciência"como um pastor enlouquecido acompanhado de um instrumental feito de "pedaços" de sons aleatórios produzidos por um sampler descontrolado, senti uma estranha euforia. Foi catártico como um ataque de riso dentro de um trem-fantasma mas também foi, sobretudo, subversivo. Tive a certeza de que havia, finalmente, destronado para sempre o reinado da mesmice musical na minha vida. Era um universo próprio a ser explorado. E eu queria mais...
Discografia:
Back and Forth 1984
Bites 1985
Mind: The Perpetual Intercourse 1986
Cleanse Fold and Manipulate 1987
Vivisect VI 1988
Rabies 1989
Too Dark Park 1990
Last Rights 1992
The Process 1996
The Greater Wrong of the Right 2004
Mythmaker 2007

Beware of the Puppies:
O vídeo de "Worlock", tirado do álbum "Rabies"(1989) prova que minha associação "Canadá-Cronenberg-Skinny Puppy" estava correta, afinal.
O clipe contém várias cenas sanguinolentas de filmes de terror do mestre Dario Argento, dentre eles Suspiria, Profondo Rosso , Opera e Tenebre . Para estômagos fortes.

Vídeo de "Spasmolytic" (1990).

Vídeo de "Killing Game"(1992).

Skinny Puppy - Convulsion

Skinny Puppy - Nature's Revenge

Skinny Puppy - Love in Vein

Skinny Puppy - Inquisition

Skinny Puppy - Riverz End

Skinny Puppy - Tin Omen

Skinny Puppy - Who's Laughing Now?

Skinny Puppy - Yes he ran

Revolução Industrial Parte 1- The Young Gods

2008-02-12T11:19:00.000-08:00

Quando se fala nessa trincheira mais radical nascida do pós-punk chamada "Industrial Rock", alguns nomes evidentes nos vêm à cabeça: Nine Inch Nails, Ministry nos EUA; Nitzer Ebb no Reino Unido; Einstürzende Neubauten na Alemanha e por aí vai... Também costuma-se dizer do rock industrial que é um gênero moribundo, que implodiu vítima de um beco-sem-saída estético e blá-bla-blá. Só se for pra essas bandas citadas acima. Porque para uma das melhores bandas industriais de todos os tempos, os Young Gods, a porradaria eletrônica vai mundo bem, obrigado. Acabaram de fazer (mais) um discaço chamado "Super Ready /Fragmente". É o nono trabalho dos "jovens deuses" suíços .O nome da banda aliás , soaria , no mínimo, pretensioso se o som dos caras não fosse algo realmente (desculpe a expressão surrada, mas não há outra) à frente do seu tempo . Até hoje , a sua inusitada formação: um vocalista, um baterista "humano" e um terceiro membro que "toca" samplers de guitarras altíssimas e outros sons (desde violinos até sons indígenas) ainda soa revolucionária pois esses caras simplesmente forjaram uma nova arquitetura sonora que praticamente não existe similar em todo panorama pop. Aperte o play acima o ouça "Gasoline Man", tirada do álbum "TV Sky"(1992), um dos trabalhos mais fortes desses helvéticos malucos.

Discografia:

The Young Gods 1987

L'eau Rouge 1989

Play Kurt Weill 1991

TV Sky 1992

Live Sky Tour 1993

Only Heaven 1995

Heaven Deconstruction 1996

Live Noumantrouff 1997

Second Nature 2000

Music for Artificial Clouds 2004

XXY Years 2005 (Coletânea)

Super Ready/Fragmenté 2007

Próximo capítulo: Skinny Puppy

Vídeo de "Envoyé"(1987)

Young Gods - Longue Route

Young Gods - Rue des Tempetes

Young Gods - L'amourir

Young Gods - Our House

Carol Ledoux

2008-01-30T09:22:00.000-08:00

Esta é Carol Ledoux ( Catherine Deneuve). Ela é belga, vive em Londres com sua irmã Hélène (Yvonne Furneaux) e trabalha num salão de beleza. Carol é uma moça bonita, meiga, porém solitária. Qual será o seu problema? Do seu apartamento ela vê a rotina bem-comportada de um convento e suas freiras que brincam inocentemente no pátio. Toca o sino. É hora das freiras voltarem à clausura.
Carol também vive enclausurada, apenas não há sino , só silêncio. Seu rosto é impassível, não importa o quão perto a câmera de Roman Polanski chegue. Ela também , como qualquer mulher bonita, é bastante assediada pelos homens mas não sente a menor atração por eles .Ao contrário, sente nojo.
Hélène namora um homem casado e está de viagem marcada com ele. Carol pede à ela que não vá, que não a deixe só. Hélène diz que não há perigo e que o tempo "passará rápido" até a sua volta.
Essa alusão ao tempo é só mais uma das sutilezas presentes em "Repulsa ao Sexo" (Repulsion,1965) , filmaço de um então principiante Roman Polanski. O baixinho franco-polonês já havia impressionado meio mundo com seu longa anterior, "A Faca na Água"(Knife in the Water,1962), mas é em "Repulsa ao Sexo" que suas obsessões e singularidades começam a ficar evidentes. Sentimentos de inadequação, situações surreais, personagens confinados , seja em apartamentos ou em suas próprias paranóias, ou ambos, são as matérias-primas principais de Polanski e de seu colaborador Gérard Brach. Aliás , a parceria entre os dois começa justamente com "Repulsa ao Sexo".
Sozinha e confinada em seu apartamento, Carol começa a enlouquecer progressivamente. O tempo, ao contrário do que sua irmã falou, não passa rápido. Polanski nos transporta para o mundo "sem tempo" de Carol. O mundo de sua loucura. As cenas , então, são esticadas ao máximo com Carol reagindo com violência à qualquer influência externa(leia-se "homens") como um animal acuado. Assim como o tempo , na loucura de Carol o espaço também é relativo. Ora o corredor está em seu tamanho normal, ora parece mais um longo túnel escuro . Finalmente Hélène chega de viagem e encontra seu apartamento todo revirado. Onde está Carol? Depois de a procurar em todo o apartamento, Hélène finalmente vê o braço de sua irmã embaixo da cama, Hélene começa a chorar quando seu amante chega , pega Carol nos braços e a carrega pra fora do apartamento com pose de herói. Há como fugir da figura masculina ? Polanski parece nos perguntar. Genial.

Trailer

Leatherface

2008-01-22T01:57:00.000-08:00

Nada nesse mundo, nada mesmo, me preparou para Leatherface. Coitado de mim, era um pobre adolescente indefeso e com apenas uma vaga idéia do que seria um "filme de terror" baseado em tosquices como "Sexta-Feira 13" e seu patético Jason Voorhees ou "A Hora do Pesadelo", um excelente filme, sem dúvida, mas com um vilão falastrão demais, o tal do Freddy Krueger. Quando vi "The Texas Chainsaw Massacre", (1974) de Tobe Hooper, pela primeira vez pensei comigo mesmo :"isso é diferente , isso é ameaçador, e o pior é que eu realmente estou com medo!". Nada de tensão induzida por sustos baratos e risadinhas nervosas e amenizantes depois. "...Chainsaw Massacre" parecia um pesadelo , daqueles feios , grotescos e vívidos, que deixam um rastro indelével em nosso imaginário. E, assim como os pesadelos, é difícil descrever em detalhes o que senti (e sinto até hoje) quando deparado com a figura do senhor "cara-de-couro" pela primeira vez. Só digo que é em uma cena breve e emblemática, porque comporta nela tudo o que há de mais diabolicamente brilhante e perturbador nesse filme: Kirk e Pam estão na porta da casa de Leatherface, Kirk decide entrar, Pam fica do lado de fora, esperando. Já dentro da casa , Kirk ouve um grunhido que parece vir da cozinha e corre até lá quando tropeça, e ao se levantar vê que há alguém(Leatherface) que chega de repente e lhe dá uma paulada na cabeça. Seu corpo começa a tremer em uma convulsão frenética, Leatherface então dá outro golpe, dessa vez fatal, arrasta seu corpo em direção à cozinha e fecha violentamente uma porta corrediça de metal. Tudo é muito rápido ,só vemos a figura de Leatherface por alguns segundos e quando damos conta do acontecido , este bate a porta em nossa cara. O efeito é matador. Ou seja , presenciamos o terror e logo em seguida um corte abrupto e ficamos com aquela cara de "hã?" , "eu vi isso?". O filme todo tem essa dinâmica, as atrocidades vão se revelando aos poucos até culminar na cena do "jantar", onde a família de Leatherface se reúne e a pobre Sally, a única sobrevivente, é a convidada de honra. A diferença é que agora não há mais como fugir, Sally é amarrada numa cadeira e é obrigada a encarar todos aqueles personagens grotescos de frente . Agora o terror nos é finalmente apresentado sem cortes abruptos, sem descanso e , assim como Sally , nós espectadores também estamos "presos" à cadeira pois, ao contrário da primeira parte do filme, a "cena do jantar" é longa , barulhenta e podemos ver tudo com os detalhes mais sórdidos como quando ele, o único , o figuraça Leatherface resolve se levantar e , como uma criança irrequieta, se aproxima de Sally até que seu rosto-máscara fique bem próximo da moça. Alíás, esse comportamento "infantil" de Leatherface é uma constante no filme. Suas ações nunca são pensadas, premeditadas e seus crimes são sempre desastrados .No final, quando Sally consegue fugir milagrosamente na carroceria de uma caminhonete, o vemos sacudindo freneticamente seu "brinquedo" favorito numa dança louca enquanto o sol nasce ao fundo.

Impossível, esse menino.

Trailer

Leatherface ao som de Abba

Filmes Subestimados Parte 1- At Close Range de James Foley

2008-01-06T19:25:00.000-08:00

Certos filmes, como certas pessoas, parecem carregar um estigma , algo que fica grudado em suas reputações ao longo dos anos e que os fazem cair quase que inevitavelmente num limbo de obscuridade e , conseqüentemente , de esquecimento. Curiosamente , a tragédia que vemos em "Caminhos Violentos" (At Close Range) é justamente a tragédia do estigma. Nesse caso , o estigma familiar. Logo nos créditos iniciais, podemos ver o rosto algo melancólico e resignado de Brad Jr. (Sean Penn) enquanto dirige sua caminhonete à noite em direção ao centro da cidadezinha em que vive nos cafundós de um Tennessee pobre e sem esperança. Nessa mesma noite, Brad jr. conhece Terry (Mary Stuart Masterson) e enquanto conversam são observado de longe por seu irmão Tommy (Chris Penn, também irmão de Sean na vida real e falecido em 2006) e um amigo de sua turma. "Ela sabe que seu sobrenome é Whitewood?", pergunta Tommy ao seu taciturno irmão à caminho de casa. Brad Jr. mora com a mãe, avó e o irmão e leva uma vida normal até receber uma visita repentina de seu pai Brad Whitewood(Christopher Walken) , conhecido ladrão e contrabandista da região e que quase nunca aparece para visitar sua família original. A visita é rápida, Brad pai oferece dinheiro para Brad filho, que relutantemente aceita, e vai embora. Brad Jr. se deixa seduzir pelo "trabalho" do pai até acabar entrando para a sua perigosa gang. Mas também há Terry, por quem Brad Jr. acaba se apaixonando perdidamente. É questão de tempo até começarem as desavenças entre pai e filho sendo que o primeiro não aceita a relação amorosa de Brad Jr pois esta é prejudicial aos negócios e o segundo que pensa que é possível conciliar as duas coisas. O embate entre os dois fica cada vez mais violento até um inevitável e trágico acerto de contas final.

É difícil compreender como um filme do nível de "At Close Range" tenha passado praticamente despercebido pelos cinemas em 1986. Desde a maravilhosa fotografia de Juan Ruiz Anchia ( de "Jogo de Emoções"), passando pelas atuações antológicas de Penn e Walken até o roteiro habilíssimo de Nicholas Kazan (filho de Elia Kazan), tudo funciona à perfeição. O filme , de quebra, ainda conta com o hit "Live to Tell" de Madonna (na época casada com Sean Penn) na trilha sonora. Aliás, conheço muita gente que só sabe da existência de "At Close Range" por causa do clipe de "Live to Tell". Um daqueles raros casos em que uma música-tema é muito mais conhecida do que o filme em si. Uma pena. "At Close Range" merece ser conhecido pelos seus próprios méritos e não como"aquele filme do clipe da Madonna".

Cenas do filme:

Just Fascination

2007-12-28T06:57:00.000-08:00

É engraçado pensar nisso hoje, mas era verdade que para as bandas do chamado pós -punk assinar com uma grande gravadora não significava necessariamente "se vender" ao sistema, mas sim uma maneira natural de tornar seus trabalhos mais acessíveis sem que isso implicasse na diluição e na banalização de suas obras. Simples assim. Nada ,portanto, daquela postura arrogante de "somos-indie-e-somos-cool" tão comum em tempos posteriores e , cá entre nós , furadíssima e cada vez mais sem sentido se vista sob a ótica dessa nossa era "pós-mp3".

Em 1981, com a saída de Chris Watson depois do lançamento do fantástico disco 2x45, o Cabaret Voltaire foi sondado por Stevo , empresário figuraça e amigo da banda. Os Cabs foram persuadidos e , em 1983 , sairia pela Virgin Records o lp The Crackdown.

Pelos sulcos desse grande disco era possível testemunhar um Cabaret Voltaire mais funk , mais "limpo" e , sem sombra de dúvida , mais acessível. Mas o que tornava The Crackdown um discaço era o equlíbrio perfeito do improvável crossover entre a barulheira dos Cabs do início e os beats eletrônicos à la Kraftwerk e Giorgio Moroder.

Dúvidas? É só assistir ao vídeo de Just Fascination , um semi-hit tirado de The Crackdown: http://www.youtube.com/watch?v=sWDdWOk0HTg&feature=related

Em 1984 sai Micro-Phonies e a fórmula é a mesma, ou quase a mesma. A ênfase agora é mais rítmica e "Do right", música que abre o álbum é prova disso. "James Brown" e "Sensoria" são os singles de tirados de Micro-Phonies. O primeiro é um schizo-funk propulsado pelo baixo matador de Stephen Mallinder e sopros que não fariam feio num disco de Mr. Dynamite "himself" e o segundo talvez seja o mais perto que os Cabs tenham chegado do New Order.

O líder do New Order , aliás, é quem melhor define a importância inegável do Cabaret Voltaire no panorama da música eletrônica, e não só, no encarte da coletânea lançada em 2002 Conform to Deform. "If Cabaret Voltaire were a new group today they would find it hard. Apart from a few exceptions today's musicians are mainly careerist, today´s music scene seems geared toward product , foward thinking means The Beatles , industrial music has been replaced by industry music. Because of all this we need Cabaret Voltaire more than we ever did , perhaps their time is now"

Bernard Sumner, New Order

Cabaret Voltaire , discografia selecionada:

1979 Mix-Up

1980 Live at the YMCA (27-10-79)

1980 Voice of America

1981 Live at the Lyceum

1981 Red Mecca

1982 2x45

1982 Pressure Company: Live in Sheffield

1983 The Crackdown

1983 Johnny YesNo

1984 Micro-Phonies

1985 The Covenant, the Sword and the Arm of the Lord

1987 Code

Vídeo de "Automotivation", faixa que faz parte da coletânea "Listen Up With Cabaret Voltaire"

Vídeo de "Sensoria", faixa de "Micro Phonies".

Cabaret Voltaire - Talking Time

Cabaret Voltaire - Do Right

Cabaret Voltaire - James Brown

Cabaret Voltaire - The Operative

Cabaret voltaire - Spies in the Wires

Cabaret Voltaire - Kind (Kino version)

Cabaret Voltaire - Sleepwalking

Gut Level

2007-12-19T05:09:00.000-08:00

Gut Level ou, traduzindo literalmente, "ao nível das entranhas". Esse é o título de uma canção do trio inglês (depois duo) Cabaret Voltaire. Trata-se de uma expressão em inglês usada(principalmente nos EUA) para definir o que o seu instinto realmente diz sobre uma determinada coisa, independente da razão. Instinto é um termo emblemático e necessário para mergulhar na música desses experimentalistas malucos da cinzenta Sheffield, norte da Inglaterra. Stephen Mallinder, Richard H. Kirk e Chris Watson não são "músicos", na assepção clássica da palavra, mas sim agitadores, editores de sons , barulhos, ruídos, conversas conspiratórias entreouvidas em microfones secretos, surrealistas, dadaístas sônicos cavando um poço sem fundo de possibilidades estéticas num mundo pós-industrial e desolado.
A fantástica aventura dos Cabs (como são chamados no Reino Unido) começa em meados dos anos 70,antes da invasão punk , numa "zona morta" ,um hiato aparentemente silencioso entre o fim do "flower power" e o começo do "do-it-yourself" dos Sex Pistols, The Clash e congêneres.
Este hiato enganou muita gente deslumbrada com a passagem do transatlântico progressivo e ajudou a criar a ilusão de que nada de muito relevante acontecia pelos idos de 73, 74...
O Cabaret Voltaire não estava "nem aí", literalmente e no melhor sentido. Enquanto alguns usavam o termo "inovação" para , na grande maioria dos casos, produzir uma música grandiloqüente e anódina, os Cabs, no melhor estilo Chacrinha, estavam aí para confundir, fazendo colagens caóticas no melhor espírito Dada, sobrepondo "loops" de tape, efeitos vocais, trechos de diálogos de filmes e distorções de toda a sorte.
"Nag Nag Nag" (algo como "blá,blá,blá") é produto dessa primeira fase do Cabaret Voltaire e ouvido hoje ainda impressiona ,pois o espírito desafiador ainda está lá intacto. Os rotuladores-reducionistas-compulsivos de hoje podem chamá-lo de electro-punk, cyber-punk, proto-industrial e outros sub-gêneros obscuros à vontade, mas "NagNagNag" e, conseqüentemente, a música dos Cabs significam paradoxalmente a contradição de tudo isso, ou seja, criação instintiva à partir do zero, colagem e invenção.
Se o seu"Gut Level" te diz que tem de haver no universo pop algo que vá além de bandinhas anêmicas cuidadosamente despenteadas e cheias de "atitude", siga seu instinto, faça um auto-desafio e ouça o Cabaret Voltaire. Serás recompensado.

Cabaret Voltaire, primeira fase:

Nag Nag Nag ! (1978)

Seconds Too Late

Gut Level (Live at the Hacienda)

Cabaret Voltaire - A Touch of Evil

Cabaret Voltaire - Black Mask

Cabaret Voltaire - Messages Received

Cabaret Voltaire - Obsession

Cabaret Voltaire - Playing for Time

Cabaret Voltaire - Over & Over

Cabaret Voltaire - Landslide

Cabaret Voltaire - War of Nerves

Top 100 Cinema Brasileiro

2007-12-06T13:50:00.000-08:00

1- O Bandido da Luz vermelha - Rogério Sganzerla (1968)

2- Limite - Mário Peixoto - (1931)

3- A Hora e a Vez de Augusto Matraga - Roberto Santos(1965)

4- Memórias do Cárcere - Nélson Pereira dos Santos(1984)

5- Iracema, Uma Transa Amazônica - Jorge Bodansky e Orlando Senna(1976)

6- Toda Nudez Será Castigada - Arnaldo Jabor(1973)

7- Bang Bang - Andrea Tonacci(1971)

8- Filme Demência - Carlos Reichenbach(1985)

9- Terra em Transe - Glauber Rocha(1967)

10- Noite Vazia - Walter Hugo Khoury(1964)

11- A Mulher de Todos - Rogério Sganzerla(1969)

12- Rio 40 Graus - Nélson Pereira dos Santos(1955)

13- Esta Noite Encarnarei no Seu Cadáver - José Mojica Marins(1967)

15- Pixote,A lei do Mais Fraco - Hector Babenco(1980)

16- Lavoura Arcaica - Luiz Fernando Carvalho(2001)

17- Tudo Bem - Arnaldo Jabor(1978)

18- Possuída Pelo Pecado - Jean Garret(1976)

19- Eles Não Usam Black-Tie - Leon Hirszman(1980)

20- Cidade de Deus - Fernando Meirelles(2002)

21- Os Fuzis - Ruy Guerra(1964)

22- Matou a Família e Foi ao Cinema - Júlio Bressane(1969)

23- São Bernardo - Leon Hirszman(1971)

24- À Meia-Noite Levarei Sua Alma - José Mojica Marins(1964)

25- A Marvada Carne - André Klotzel(1985)

26- Ilha das Flores - Jorge Furtado(1989)

27- Macunaíma - Joaquim Pedro de Andrade(1969)

28- Bye Bye Brasil - Carlos Diegues(1979)

29- Deus e o Diabo na Terra do Sol - Glauber Rocha(1964)

30- Cabra Marcado Para Morrer - Eduardo Coutinho(1984)

31- São Paulo S. A. - Luis Sérgio Person(1965)

32- O Caso dos Irmãos Naves - Luis Sérgio Person(1967)

33- Matar ou Correr - Carlos Manga(1954)

34- Anjos da Noite - Wilson Barros(1988)

35- Assalto ao Trem Pagador - Roberto Farias(1962)

36- A Intrusa - Carlos Hugo Christensen(1980)

37- A Lira do Delírio - Walter Lima Jr. (1978)

38- Pra Frente Brasil - Roberto Farias (1982)

39- O Grande Momento - Roberto Santos (1958)

40- Terra Estrangeira - Walter Salles(1995)

41- O Olho Mágico do Amor - José Antônio Garcia , Ìcaro martins(1982)

42- Amor bandido - Bruno Barreto(1979)

43- A Ilha dos Prazeres Proibidos - Carlos Reichenbach(1979)

44- Sem Essa Aranha - Rogério Sganzerla(1970)

45- O Segredo da Múmia - Ivan Cardoso(1982)

46- Lúcio Flávio, Passageiro da Agonia - Hector Babenco(1977)

47- Nunca Fomos Tão Felizes - Murilo Salles(1984)

48- O Baixio das Bestas - Claudio Assis(2006)

49- Os Matadores - Beto Brant(1997)

50- Em Família - Paulo Porto(1969)

51- Vidas Secas - Nélson Pereira dos Santos(1963)

52- Festa - Ugo Giorgetti(1988)

53- Os Cafajestes - Ruy Guerra(1962)

54- A Hora da Estrela - Suzana Amaral(1986)

55- Romance - Sérgio Bianchi(1988)

56- Alma Corsária - Carlos Reichenbach(1994)

57- Inocência - Walter Lima Jr.(1983)

58- Contos Eróticos - Joaquim Pedro de Andrade, Eduardo Escorel, Roberto Palmari, Roberto Santos(1977)

59- Sargento Getúlio - Hermano Penna(1982)

60- O Homem Que Virou Suco - João Batista de Andrade(1981)

61- O Pagador de Promessas - Anselmo Duarte(1962)

62- O Invasor - Beto Brant(2002)

63- O Auto da Compadecida - Guel Arraes(2000)

64- Flor do Desejo - Guilherme de Almeida Prado(1984)

65- A Falecida - Leon Hirszman(1965)

66- Bar Esperança - Hugo Carvana(1982)

67- Eu Matei Lúcio Flávio - Antônio Calmon(1979)

68- A Dama do Cine Shanghai - Guilherme de Almeida Prado(1988)

69- Madame Satã - Karim Ainouz(2002)

70- Todas as Mulheres do Mundo - Domingos Oliveira(1967)

71- O Anjo Nasceu - Júlio Bressane(1969)

72- O Signo do Caos - Rogério Sganzerla(2005)

73- Copacabana me Engana - Antônio Carlos Fontoura(1968)

74- Mar de Rosas - Ana Carolina(1978)

75- Boca de Ouro - Nélson Pereira dos Santos(1963)

76- Os Saltimbancos Trapalhões - J.B. Tanko(1982)

77- Narradores de Javé - Eliane Caffé(2003)

78- O Homem do Sputnik - Carlos manga(1959)

79- O Torturador - Antônio Calmon(1981)

80- Copacabana Mon Amour - Rogério Sganzerla(1970)

81- O Dia em Que Dorival Encarou A Guarda - Jorge Furtado(1988)

82- Edifício Master - Eduardo Coutinho(2004)

83- Anjos do Arrabalde - Carlos Reichenbach(1987)

84- Cabaret Mineiro - Carlos Alberto Prates Corrêa(1982)

85- Saneamento Básico, o filme - Jorge Furtado(2007)

86- O Rei da Noite - Hector Babenco(1975)

87- Sonho Sem Fim - Lauro Escorel(1985)

88- Cão Sem Dono - Beto Brant(2006)

89- Felicidade é... - Jorge Furtado,José Pedro Goulart, Cecílio Neto, José Roberto Torero(1995)

90- Quase Nada - Sérgio Rezende(2003)

91- Chuvas de Verão - Carlos Diegues(1978)

92- Lição de Amor - Eduardo Escorel(1975)

93- Jogo Duro - Ugo Giorgett(1984)

94- Ação Entre Amigos - Beto Brant(1998)

95- A Ostra e o Vento - Walter Lima Jr. (1997)

96- Coronel Delmiro Gouveia - Geraldo Sarno (1978)

97- Amarelo Manga - Claudio Assis(2003)

98- Separações - Domingos Oliveira(2002)

99- Cidade Oculta - Chico Botelho(1985)

100- Eros , O Deus do Amor - Walter Hugo Khoury(1981)

Trecho inicial de "Limite", de Mário Peixoto

Brian Eno - parte 3 "Wrong Way Up", com John Cale

2007-11-28T21:00:00.000-08:00

Dentre os inúmeros discos colaborativos que fazem parte da sólida discografia de Brian Eno ,"Wrong Way Up" talvez seja o mais bem-sucedido no quesito acessibilidade aliada ao perfeito entrosamento entre os dois artistas. E que artistas! Imagine o ex-Roxy Music, o auto-intitulado "homem-estúdio", o parceiro da "fase-Berlim" de Bowie, o produtor de "Remain in Light" , dos Talking Heads , dentre muitos outros discos fundamentais junto no mesmo estúdio com o ex-Velvet Underground , o produtor de "Horses", de Patti Smith, do primeiro dos Stooges e Modern Lovers, com uma carreira-solo que vai de proto-punk furioso( Sabotage/Live) até arranjos orquestrais (Words for the Dying). Esse sujeito é Mr. John Cale.

"Wrong Way Up"(1990) é , antes de tudo, a volta de Eno aos vocais desde "Before and After Science"(1977) e , consequentemente, à uma linguagem pop à sua maneira : inventiva, instigante e sempre difícil de rotular. À primeira audição, podemos cair na fácil armadilha de achar que existem papéis pré-definidos nesse álbum: John Cale com seus arranjos misteriosos e sombrios em contraste com os temas mais "solares" de Eno. Mas "Wrong Way Up" é sempre surpreendente . A animadíssima e quase radiofônica "Been There, Done That" é cantada por Cale, enquanto a voz de Eno embala a melancólica balada folk que encerra o disco: "The River".

Há também momentos de fina ironia, como na faixa de abertura, "Lay My Love", em que Eno incorpora um personagem assustador o bastante para que o aparentemete doce título no final acabe soando mais como uma ameaça do que propriamente uma declaração de amor ( curiosidade: essa também é aprimeira vez em que Eno usa a palavra "love" numa canção).

Veja e ouça a uma das pérolas de "Wrong Way Up":

One Word
Eno/Cale - Spinning Away

Brian Eno - parte 2 "Before and After Science"

2007-11-25T08:56:00.000-08:00

Lançado em 1977 , "Before and After Science" é o último disco da "fase pop" de Brian Eno antes de seu mergulho mais radical em direção ao experimentalismo e à musica ambiental. Fase pop, em termos de Brian Eno, leia-se como "discos-estranhos-dos-anos-setenta-em-que-ele-canta". "Before and After Science" é , antes de tudo, a prova cabal de que discos conceituais não precisam ser chatos e pomposos. Aliás , isso vale para todos os discos pop de Eno dessa fase. Nesses álbuns , conceitos aparentemente antagônicos convivem numa harmonia rara onde a linha tênue entre o familiar e o estranho nunca se chocam , se completam.

O disco , com seus dois "lados" bem definidos( lado "A":before) , começa com a urgência funkeada de "No one's Receiveing", passa pela animação sing-along de "Backwater", "Kurt's Rejoinder", que mistura percussão afro com efeitos eletrônicos sem a menor cerimônia até desembocar na frenética "King´s Lead Hat"e seu refrão pegajoso.

Já o lado "B" (after ), é recheado de baladas meditativas como só Mr. Eno sabe fazer e serve como contraponto perfeito para a outra metade do disco. "Julie With..." soa como um barco à deriva e nele estamos com Julie " with her open blouse". "By This River" talvez seja o tema mais conhecido de "Before..." graças ao filme ganhador da Palma de Ouro em Cannes "O Quarto do Filho", de Nanni Moretti" . Quem viu o filme sabe da desconcertante simplicidade dessa belíssima canção. O disco fecha com a sonhadora "Spider and I", onde Eno se coloca ao lado de uma aranha(!!) e , juntos, tecem suas teias "num mundo sem som" enquanto "sonham com navios que estão à milhas de distância".

Ainda guardo minha fitinha cassete original de "Before and After Science" como um pequeno tesouro, onde descobri um mundo belo, simples e utópico. Obrigado senhor Eno !

By This River
Brian Eno - No One Receiving

Brian Eno - Julie With...

Brian Eno - parte 1 "On Land"

2007-11-19T11:09:00.000-08:00

"Cadê a música?"Essa foi a primeira reação que tive quando ouvi pela primeira vez o disco "On Land", de Brian Eno. Já era fã do tecladista do Roxy Music e de seus magníficos álbuns-solo que gravara nos anos 70: "Another Green World"(1974) , "Taking Tiger Mountain"(1975) e "Before and After Science"(1977). Nesses discos , Eno criou uma espécie de "avant-pop" misturando experimentalismo eletrônico , música étnica , rock , baladas-zen e o que mais viesse com uma propriedade e economia incríveis , sempre passando ao largo dos excessos progressivos.

Mas essa era apenas uma das facetas de Eno. Faltava ainda descobrir seus discos instrumentais , faltavam as "paisagens sonoras", como diz o próprio no encarte do soberbo "On Land". Tentar descrever o que se ouve ao longo das oito faixas dessa jóia é tarefa ingrata. Um ouvinte mais apressado poderá rotulá-lo como "viajante", "lisérgico" ou outro clichê do gênero. Nada disso. "On Land" é muito mais que apenas escapismo "new age" ou tampouco "ambient music"(mais clichês para a coleção) , ele evoca sensações , memórias e lugares a partir de sons que são estratégicamente colocados "`a distância" do ouvinte , dando uma idéia de espaço e tempo muito particulares , como se estivéssemos num campo aberto e pudéssemos ouvir ruídos abstratos e , eventualmente, instrumentos , funcionando independentes uns dos outros . Numa primeira audição , todas as faixas parecem iguais mas , com o passar do tempo , começamos a diferenciá-las e as sutilezas vão se revelando lentamente como num quadro impressionista. "On Land " é um disco mágico.

Trecho de "Lizard Point" , primeira faixa de "On Land"

Brian Eno - Dunwich Beach, Autumn, 1960

Mr. Slausen's Lost Oasis

2007-10-31T00:50:00.000-07:00

Pobres de Jerry, Molly, Eillen, Becky e Woody. Numa inocente viagem de fim-de-semana , acabam se perdendo numa estrada desconhecida até que encontram um lugar chamado "Mr. Slausen's Lost Oasis" , o museu de cera abandonado do Sr. Slausen. Tadinhos , acabaram virando bonecos na mão de um velhinho esquizofrênico, corno (pegou sua mulher na cama com seu irmão e matou os dois) e , que ainda por cima , tem poderes paranormais para mover objetos com a força da mente tal qual uma Carrie A Estranha da terceira idade. Ah , quase ia me esquecendo , além de transformar suas vítimas em bonecos de cera , estes acabam virando seus escravos , obedecendo aos seus poderes telecinéticos. Esta é a singela premissa de "Tourist Trap"(1979), um dos mais bizarros , assustadores e subestimados filmes da época áurea dos "slasher films" , aquele sub-gênero no qual um maníaco homicida tenta matar o maior número possível de jovens incautos antes de subirem os créditos finais. E os jovens incautos do filme de David Schmoeller não são diferentes , o que difere , sim ,"Tourist Trap" dos outros filmes dessa época é que suas cenas de violência são , acima de tudo, perturbadoras , onde o que prevalece é o aspecto sádico do personagem de Chuck Connors (famoso pela série "The Rifleman") e não a quantidade de sangue que é mostrada. Aliás essa característica , paradoxalmente , explica o fracasso do filme à época de seu lançamento nos E.U.A. Devido à essa "falta de sangue" , "Tourist Trap" saiu com a temida (para filmes de terror) classificação PG (parental guidance) , o que dava margem a interpretações do tipo "esse filme não deve ser assustador o bastante..." Ledo engano. Quem viu o filme e conseguiu passar incólume pela cena em que Sr. Slausen sufoca até a morte uma de suas vítimas cobrindo seu rosto com gesso ou deve estar em coma ou já deve ter sido embalsamado como os bonecos do museu do velhinho maluco.

Trailer de Tourist Trap:

O olhar de Miss Giddens.

2007-10-21T22:02:00.000-07:00

Morreu semana passada Deborah Kerr. Morreu a governanta Miss Giddens , a heroína de "Os Inocentes" , filmaço de Jack Clayton (1961) . Os olhos de Miss Giddens/Deborah Kerr se fecharam. Mas os meus vão continuar arregalados , como os de sua personagem , cada vez que puder rever essa cena desse clássico do horror , ilustrada pelas fotos acima. A cena: Miss Giddens , governanta substituta de uma mansão no interior da Inglaterra do século 19 , resolve brincar inocentemente de esconde-esconde com as duas crianças da casa , o menino Miles ( Martin Stephens) e sua irmã Flora ( Pamela Franklin) , ela os procura e os acha facilmente. Agora é a vez de Miss Giddens se esconder (musiquinha de bricadeira de criança ao fundo) e ela escolhe se acomodar atrás da cortina da sala , ficando de costas para a janela. Quando, pelo canto do olho , ela percebe um vulto que a observa do lado de fora da casa (foto à direita) e se vira subitamente , dando um grito de susto. Há , então , um corte no qual a câmera se detêm ao seu rosto aterrorizado (foto à esquerda) pela visão do que parece ser a do seu falecido predescessor no cargo de mordomo da casa: Peter Quint (Peter Wyngarde) . O espectro de Quint vai se aproximando da janela lentamente (ouvimos até sua respiração!) e suas feições nunca são mostradas inteiramente , só vemos partes de seu rosto luciferino entre as sombras do jardim da casa até que ele recue de volta ao escuro da noite. Pura magia cinematográfica cortesia do genial fotógrafo Freddie Francis ( Que trabalhou com David Lynch em "O Homem Elefante") .

Essa é apenas uma dentre as muitas cenas memoráveis de "Os Inocentes". Há vultos que passam no final do corredor , vozes misteriosas , gargalhadas sinistras no meio da noite. É um clássico filme-de-casa-mal-assombrada que me assombra até hoje. Nunca mais olhei para fora de uma janela`a noite do mesmo jeito desde então. E o pior é que agora não há mais a Miss Giddens pra nos proteger.

Momentos arrepiantes do filme:

We' re All Frankies

2007-10-04T02:35:00.000-07:00

O ano era, se não me falha a memória, 1991, quando comprei numa loja bem bacaninha de cds usados e importados uma cópia de "Ghost Riders" do duo eletrônico americano Suicide, de quem já tinha ouvido falar algumas vezes. Naquela época, a simples menção das palavras "eletrônico", "techno" ou "industrial" associadas à alguma banda já era o suficiente para eu ir atrás. Com o tempo isso foi mudando e , à medida que ia me interessando por outros gêneros e artistas, fui notando que havia muita coisa dispensável no universo das batidas eletrônicas e dos sintetizadores. Encontrei a solução na mesma loja bacaninha citada acima, vendendo aqueles cds que não gostava mais. Eufemismo , claro, para "como-fui-capaz-de-comprar-essa-merda!?"

Dentre os que ficaram, estava lá o do Suicide. Embora não tenha exatamente "gostado" do que tinha ouvido em "Ghost Riders", estava claro que aquilo era material para ser ouvido muito mais vezes . Era um disco ao vivo no qual um maluco (Alan Vega) emulava inflexões de Elvis Presley misturados com berros e uivos à là Iggy Pop enquanto outro maluco tocava (???) um órgão farfisa distorcido e que disparava batidinhas eletrônicas analógicas a esmo. A platéia se manisfestava com tímidos aplausos entre as faixas, certamente para disfarçar o estarrecimento diante daquilo.

Estarrecido também estava eu diante daquele disco mas não tanto quando, finalmente, coloquei as mãos no primeiro álbum dos ensandecidos nova-iorquinos. Já estava preparado, pensava eu, pro que iria ouvir. Ledo engano. O que estava esparso e confuso, e mesmo assim já assustava, em "Ghost Riders", no primeiro álbum ,( intitulado apenas como "Suicide",1977), explodia numa fúria minimalista que nunca tinha chegado perto de ouvir até então. Junte isso à uma atmosfera de desolação e desesperança condensada em apenas sete faixas e eu não tinha mais dúvidas : estava diante do clássico que sempre ouvira falar .

"America, America is killing its youth", Alan Vega canta a loucura belicista americana na primeira faixa, "Ghost Rider", e já dá o tom do que vem à seguir , "Rocket U.S.A.", mais paranóia militarista, "Our country are gonna fix this", ele sussurra ironicamente... Mais atual , impossível.

Mas nada se compara à penúltima faixa: "Frankie Teardrop". Nela, Vega e Rev dão uma verdadeira aula de niilismo punk contando a história de um tal de Frankie que, num acesso de desespero por não ter dinheiro para sustentar sua mulher e filho, acaba os assassinando antes de estourar os próprios miolos. São os dez minutos mais aterrorizantes que já ouvi em minha vida, com Alan Vega narrando o tragédia pessoal de Frankie em meio à urros de puro desespero até que Frankie vá , literalmente , ao inferno.

E , quando pensamos que tudo acabou, Vega dá a estocada final gritando : "We' re all Frankies, we're all lying in hell!!!!"

"Suicide is painless" , já disseram uma vez. Será?

Clipe: http://br.youtube.com/watch?v=3YprQnzRfjg

Suicide ao vivo (raridade). "Ghost Rider" .

Suicide - Shadazz

Suicide - Misery Train

Suicide - Wrong Decisions

Suicide - Johnny

Suicide - Girl

Suicide - Touch Me

Suicide - Harlem

Alta Fidelidade 2

2007-09-27T05:36:00.000-07:00

Top 5 que ficaram de fora da lista dos 100 melhores álbuns:

1- Revolver - The Beatles

2- Pet Sounds - The Beach Boys

3- Who's Next - The Who

4- Let It Bleed - The Rolling Stones

5- Pérola Negra - Luiz Melodia

Alta Fidelidade

2007-09-27T03:14:00.000-07:00

Uma hora ia dar vontade de fazer uma mesmo... Então lá vai.

Meu top 100 melhores álbuns de todos os tempos :

1- Radio City - Big Star

2- Forever Changes - Love

3- Astral Weeks - Van Morrison

4 - The Funhouse - The Stooges

5 - Ziggy Stardust - David Bowie

6- Electric Ladyland - Jimi Hendrix

7- Blood on the Tracks - Bob Dylan

8- Sister Lovers - Big Star

9- The Man Machine - Kraftwerk

10- Tago Mago - Can

11- Low - David Bowie

12- Music From the Big Pink - The Band

13- Country Life - Roxy Music

14- Suicide - Suicide (primeiro álbum,1977)

15 - Red Mecca - Cabaret Voltaire

16 - Leinchenschrei - SPK

17- LC - The Durutti Column

18- Rust Never Sleeps - Neil Young

19- Imperial Bedroom - Elvis Costello

20- Entertainment! - Gang of Four

21- Surfer Rosa - Pixies

22- Before and After Science - Brian Eno

23- Os Mutantes - Os Mutantes (1968)

24- The Modern Lovers - The Modern Lovers (1974)

25- Younger Than Yesterday - The Byrds

26- Hot Buttered Soul - Isaac Hayes

27- Secos e Molhados - Secos e Molhados (1973)

28- Alien Soundtracks - Chrome

29- Maggot Brain - Funkadelic

30- Abbey Road - The Beatles

31- The Velvet Unverground & Nico - VU & Nico

32- Marquee Moon - Television

33- Moondance - Van Morrison

34- Superfly - Curtis Mayfield

35- A Love Supreme - John Coltrane

36- Second Edition - PIL

37- Fruto Proibido - Rita Lee & Tutti Frutti

38- The Young Gods - The Young Gods (1986)

39- Let It Be - The Replacements

40- 12 Dreams of Doctor Sardonicus - Spirit

41- Blue Lines - Massive Attack

42- London Calling - The Clash

43- Trans-Europe-Express - Kraftwerk

44- Flashlight - Tom Verlaine

45- Gal Costa - Gal Costa (1968)

46- Stand! - Sly and the Family Stone

47- Unknown Pleasures - Joy Division

48- Cartola - Cartola (1976)

49- The Stooges - The Stooges

50- Loveless - My Bloody Valentine

51- Cop - Swans

52- Los Angeles - X

53- Neu! - Neu! (1975)

54- Always Now - Section 25

55- Teenage Kicks - The Undertones

56- The Boatman's Call - Nick Cave & the Bad Seeds

57- Exile on Main Street - The Rolling Stones

58- Nixon - Lambchop

59 - On Land - Brian Eno

60- Kind of Blue - Miles Davis

61- Eu Quero é Botar Meu Bloco Na Rua - Sérgio Sampaio

62- Doolitle - Pixies

63- The Queen is Dead - The Smiths

64- What's Going on - Marvin Gaye

65- Dummy - Portishead

66 - Parallel Lines - Blondie

67- Paris 1919 - John Cale

68 - Electric Warrior - T. Rex

69- Movement - New Order

70- África Brasil - Jorge Ben

71- The Band - The Band (1967)

72- Too Much , Too Soon - The New York Dools

73- The Modern Dance - Pere Ubu

74- Horses - Patti Smith

75- Buffalo Springfield Again - Buffalo Springfield

76- Junkyard - The Birthday Party

77- Hunky Dory - David Bowie

78- Straight Up - Badfinger

79- Message From the Country - The Move

80- Remain in Light - Talking Heads

81- Y - The Pop Goup

82 - Heartfood - Judee Sill

83- Yerself is Steam - Mercury Rev

84- Trout Mask Replica - Captain Beefheart

85- Colossal Youth - Young Marble Giants

86- Crazy Rythms - The Feelies

87 - Songs of Leonard Cohen - Leonard Cohen

88- Too Dark Park - Skinny Puppy

89- Clube da Esquina - Milton Nascimento e Lô Borges

90 - #1 Record - Big Star

91- Wrong Way Up - Brian Eno/John Cale

92- Automatic From the People - R. E. M.

93- Laughing Stock - Talk Talk

94- Cuban Soul - Cassiano

95- Bryter Lyter - Nick Drake

96- Tim Maia - Tim Maia (1970)

97- From the Lion's Mouth - The Sound

98- Loki? - Arnaldo Baptista

99- The Soft Bulletin - The Flaming Lips

100- Streetcleaner - Godflesh

Primeiríssimo lugar:

Neon Noir

2007-09-26T03:35:00.000-07:00

Os anos oitenta foram uma década estranha para mim. Até hoje , quando não existem mais. Acho meio bizarro essa febre nostálgica de celebrações com direito à pretensos "ícones" da época agora transformados em gênios visionários em biografias literárias, filmes, especiais de tv , homenagens póstumas em shows superlotados, livrinhos ilustrados com brinquedos e objetos típicos daqueles anos "supermaneiros", músicas de grupos infantis fazendo parte das playlists de incontáveis festas-revivals "póishhh-modernas"... Ah , como éramos felizes! Vamos celebrar, esquecer, escapar, viajar no balão mágico pra bem longe daqui e nos refugiar no colinho quente da super tia Xuxa contra o baixo astral dos dias de hoje.
Ninguém (ou pouquíssima gente) parece se lembrar do baixo astral daquela época de inflação galopante, do Brasil com crescimento zero a década inteira, de ver o Delfim Netto fazendo oitocentos acordos com o FMI, O Reaganismo nos EUA, Thatcherismo no Reino Unido, a guerra fria e , fechando com chave de ouro, a tão desejada redemocratização brasileira sendo coroada em 1989 com a eleição de Fernando Collor de Mello. Tá de bom tamanho, né?
Mas também acho que é , sim, possível lembrar de maneira menos maniqueísta dessa década e o que ela tinha de mais interessante: suas contradições e , conseqüentemente , sua estranheza.
Aí, pelo menos para mim, é que mora a riqueza dos anos oitenta, justamente por que são difíceis de serem definidos, seja para o bem ou para o mal.
Ao contrário do Brasil , onde tudo acaba em pizza ou em samba , nesse blog tudo acaba em cinema , música ou cultura pop em geral. E já que o assunto são os ilustres anos oitenta e suas contradições, pouca gente se lembra que houve no Brasil um sub-gênero cinematográfico que traduziu bem isso: o chamado "neon noir" feito em São Paulo .
"Cidade Oculta", de Chico Botelho, "A Dama do Cine Shanghai", de Guilherme de Almeida Prado, "O Beijo", de Walter Rogério(esse seria mais adequado ser chamado de "neon realismo"), "Anjos da Noite', de Wilson Barros e "Fogo e Paixão", de Isay Weinfield e Márcio Kogan são os mais representativos desse tipo de cinema ultra estilizado , elegante , escapista , com obsessiva preocupação com a forma e o visual. Nada mais anos oitenta que isso.
Mas o neon noir paulistano não era só forma , visual e escapismo. No caso de Guilherme de Almeida Prado, por exemplo, existia , pra além da estilização, um notável talento pra fundir estilos tão diversos como a pornochanchada da boca-do-lixo, cinema noir , expressionismo alemão , cinema marginal brasileiro e um universo de referências pop riquíssimo e um projeto estético muito raro de se ver no cinema nacional. É só assistir à "Flor do Desejo", "Perfume de Gardênia", "A Hora Mágica", além do já citado "A Dama do Cine Shangai", que ganhou oito prêmios no festival de Gramado de 1988.
Guilherme de Almeida Prado é , literalmente , um sobrevivente e o único represente do neon noir em atividade hoje, já que Chico Botelho e Wilson Barros morreram precocemente em 1991 e 1992, respectivamente. E é muito bom ver que seu cinema resiste e está mais vivo que nunca, pois acabei de assistir, no Festival do Rio, ao seu último e excelente filme: " Onde Andará Dulce Veiga",baseado no romance de Caio Fernando Abreu. É o Almeida Prado de sempre, só que ainda mais arrojado, com um verdadeiro catálogo de citações cinematográficas de fazer delirar qualquer cinéfilo que se preze e ainda conta com a prosa instigante do escritor gaúcho, também morto precocemente.
Vida longa ao cinema único, deliciosamente excessivo e , sobretudo , apaixonado de Guilherme de Almeida Prado. Chega de almanaques dos anos oitenta, relancem esses filmes em DVD!

Trailer de "...Dulce Veiga":

2007-09-23T23:19:00.000-07:00

"Like Tears in the Rain... Time...to die."

2007-09-23T20:30:00.000-07:00

Quando o ator holandês Rutger Hauer disse essas palavras no final de Blade Runner(1982), confesso que achei um tanto piegas, chegando até a destoar da atmosfera desolada e melacólica do célebre noir- sci-fi de Ridley Scott. Aliás, muitas coisas além do monólogo final de Roy ( personagem de Hauer) me pareceram estranhas no filme.
Tinha apenas 14 anos na época em que o assisti pela primeira vez , numa cópia vhs pirata bem vagabunda e juro que não, eu não era um típico cinéfilo-precoce-metido-à-besta. Mas o fato é que tive a exata percepção de que algo naquele filme estranho, escuro, enfumaçado e com um ritmo bastante peculiar merecia uma segunda olhada. Bom, dei a segunda olhada, a terceira, a quarta, a quinta...
Ao longo dos anos 80, assistir à Blade Runner sempre foi uma experiência reveladora pra mim. É como um lugar em que visitava(visito) de tempos em tempos. É sempre o mesmo lugar mas , à cada olhar(ou à cada visita), sempre descobri "cantos" novos, virgens, coisas que não havia notado antes. Sua atmosfera é tão rica e própria que permite isso, você submerge naquele universo de imagens e sons que parecem indissociáveis. Submerge naquele futuro estranho-mas-nem-tanto, naquelas estranhas contradições... Andróides com preocupações filosóficas realmente profundas , buscando respostas em meio a "humanos" autômatos e impassíveis. E , claro, naquela longa, lânguida e antológica cena de amor entre Deckard(Harrison Ford) e Rachel(Sean Young).
Depois vieram os anos 90 e a nova versão de Ridley Scott estreou nos cinemas. Eu, claro, fui. Muitas vezes. E desta feita no lugar apropriado: a sala escura. Lá estava eu visitando mais uma vez o "filme-lugar". Lá estava eu , mais velho, agora típico cinéfilo (mas não metido à besta) agora me deliciando em acompanhar as diferenças entre a versão nova e velha. Gostei mais da nova, com a eliminação da narração de Deckard e do "final feliz" e com a adição do enigmático sonho do unicórnio.
Blade Runner é clássico, é cult ou qualquer outro chavão que se use para definir um grande filme. Pra mim sempre será o meu "filme-lugar" preferido. "Time... to die..."

A cena :